Drehbuch für KI-Videoproduktion schreiben: 6 Gewohnheiten
So schreiben Sie ein Drehbuch für KI-Video: sechs Gewohnheiten, die dafür sorgen, dass das, was Sie sich vorgestellt haben, auch auf der Leinwand landet. Ihr Drehbuch wird von den Modellen gelesen, die Ihre Bilder, Stimmen und Einstellungen generieren.
In dieser Lektion lernen Sie
- Warum Ihr Drehbuch vom Rest der Pipeline und von KI-Modellen gelesen wird
- Warum ein Name pro Figur, Ort und Objekt am meisten zählt
- Wie Sie Gedanken, Erinnerungen und Stimmungen in Dinge verwandeln, die ein Modell filmen kann
- Warum weniger Figuren und Orte einen stärkeren KI-Film ergeben
- Wie lang eine Szene sein sollte, um sich sauber in Einstellungen aufzulösen
- Wie Objekte und geschriebener Ton bis in den fertigen Film durchreichen
In ScreenWeaver wird Ihr Drehbuch nicht nur von Menschen gelesen. Es wird vom Rest der Pipeline gelesen und am Ende von den Modellen, die Ihre Bilder, Stimmen und Einstellungen generieren. Diese Lektion behandelt sechs Gewohnheiten, um ein Drehbuch für eine KI-Videoproduktion zu schreiben, und alle sind ohnehin gute Gewohnheiten beim Drehbuchschreiben.
Sie halten Namen einheitlich, schreiben nur, was die Kamera sehen kann, begrenzen Figuren und Orte, so wie The Night Ferry mit zwei Figuren und vier Orten, bemessen Szenen so, dass sie sich in Einstellungen auflösen lassen, geben wichtigen Objekten wie dem Kompass eine echte Aufgabe und schreiben den Ton auf die Seite. Keine dieser Regeln schränkt Ihre Geschichte ein. Sie sorgen dafür, dass das, was Sie sich vorgestellt haben, auch auf der Leinwand landet. Lektion 5.4 eines kostenlosen Drehbuchkurses.
Vollständiges Transkript
Transkript der englischen Sprecherstimme.
0:04In Screenweaver, your script isn't only read by people. It's read by the rest of the pipeline, and in the end by the models that generate your images, your voices, and your shots. That changes a few things about how you write, and they're all good habits anyway.
0:211. Consistent names. We've set it for characters, places, and objects, and it's the single most important habit. One name, one element, one look on screen. A nickname in the dialogue is fine. In a character cue or a scene heading, never.
0:392. Everything visible. A model can't film a thought, a memory, or a mood. It films a face, a gesture, an object, a light. Every time you write a feeling, ask, what would we see? Elias' hand trembles, that's grief, on camera.
0:583. Few characters, few places. The Night Ferry has two characters and four places. Every new character or location is one more thing to design, describe, and keep consistent across every shot. Great short films are often built on a single place and two people. Use that constraint as a strength.
1:204. Scenes the right size. A scene that's half a page to a page is easy to break into shots. A five -page scene in one place will become a long sequence of shots that all look alike. If a scene runs long, look for a natural cut. The change of place, a jump in time.
1:385. Give objects a job. The compass is not decoration, it's the twist. When an object matters, introduce it early. Give it the same name every time, and add it to your story elements, so it looks the same in the first shot and the last.
1:566. Write the sound. Rain on the windows, the engine coughing, footsteps on wet planks. These lines become sound design and atmosphere later. A script that sounds alive on the page gives you a film that sounds alive on screen.
2:13None of these rules limit your story. They make sure that what you imagined is what ends up on screen. Your exercise? Read your script once with these six questions, and fix what you find. Then take the section quiz.